Lo que viene

Ya se ha dado a conocer la temporada de opera 2010 del Teatro Municipal de Santiago, como es habitual son seis títulos que darán forma a la cartelera lírica del bicentenario, a saber:
La partida sera con dos emblemas del verismo, Cavalleria Rusticana e I Pagliacci, seguidas de un referente obligado del siglo XX y quizás lo mejor de la dupla Strauss-Hoffmanthal, me refiero a Electra, de ahí se da paso a un titulo referencial del barroco como es la Alcina de Haendel, seguimos con dos títulos Verdianos, Macbeth y Rigoletto para concluir con la bellisima Thais de Massenet.
Como ya es habitual en este blog, iremos reseñando cada titulo por orden de programación para tener una suerte de guía a la hora de verlos en vivo.

José Luis A.

Reapertura

Ahora si que si, dicen las autoridades encargadas del Teatro Colón de B.Aires, que después de permanecer cerrado desde el 2007, sometido a reparaciones de "cirugía mayor"( como sucedió en su momento con La Scala ) reabrirá sus puertas el próximo 25 de mayo, fecha del bicentenario de la independencia trasandina, la prensa informa que la temporada 2010 del Colón tendrá fuerte presencia Chilena, pasarán por el, en distintos desempeños: germán drogetti, enrique bordolini, inme moller, josé luis dominguez, francisco rettig y lisa chung.
A su vez se consigna que dentro de la temporada se verán títulos como La boheme, Don Giovanni, Una tragedia Florentina y Violanta entre otras, a la vez que el ballet Mannon.
Pero la lírica en B.Aires no solo habita el Colón, por de pronto el Teatro Argentino de la Plata ha programado: Lady macbeth von mtsensk ( en la producción del municipal de santiago ) Fausto y Ainadamar.
Por su parte el Teatro Avenida pondrá en cartelera: Fidelio, Belisario, Xerxes y Falstaff.
Una buena razón para darse una vuelta por la capital Argentina una vez más.

José Luis A.

Dido y Eneas

Con solo un teatro que programa opera en todo Santiago, el municipal, cualquier iniciativa que tienda a ampliar la difusión de este arte se agradece de sobremanera, por eso creo justo destacar la feliz iniciativa del instituto de música de la Universidad Alberto Hurtado de ofrecer una muy buena presentación de "Dido y Eneas" de H. Purcell, bajo la dirección del maestro Guido Minoletti y con regie, escenografía y vestuario de Gustavo Acevedo.
En rigor, se trato mas bien de un semimontaje, ya que las dimensiones físicas del escenario no permitían mucho mas, en este contexto y con buen apoyo de imagenes digitales que sugerían los cambios de ambiente, un elenco bastante joven y solvente entregó una más que digna versión de este clásico lírico.
Sin duda sobresalieron la soprano Jeannette Pérez como la Reina de Cartago y la soprano Paulina Gonzalez como una excelente Belinda, ambas dueñas de un material de bello timbre, buen volumen, acertada dicción y maduro manejo de recursos como los pianissimos que otorgan delicadeza al dibujo de los caracteres, el baritono Esteban Sepulveda entregó un príncipe troyano heroico y mas bien plano, con un canto un tanto en gola y con tendencia a apretar la emisión de las notas altas, notorio fue un quiebre de voz hacia su ultima aria, en la que la reina lo despide. El coro se manejó con fiato y solvencia aunque con poco acento en lo teatral, aspecto que sin duda subsanará la experiencia y una regie a cargo de un director de teatro en el futuro.
En resumen, una iniciativa que se agradece y que ojalá se mantenga en el tiempo, hay enormidad de títulos barrocos y de otros estilos, en operas de cámara que podrían ofrecer a nuestra pobre cartelera lírica.

José Luis A.

El adios

Hace un par de semanas ha informado alguna prensa mundial del retiro definitivo de la lírica anunciado por la gran soprano neozelandesa Kiri te kanawa, aunque ya estaba parcialmente retirada, solo realizaba esporádicos recitales desde 2004, el adiós anunciado es definitivo, cabe mencionar que deja una brillante carrera en pleno poder de sus facultades artísticas, cosa que debiera hacer todo cantante lírico que le tuviera respeto y consideracion al publico que siempre lo siguió y apoyó.
Dame te kanawa ( nacida como Claire Rawstron ) mantuvo siempre su vida privada en ese ámbito, solo sabemos que fue adoptada muy niña y que comenzó su carrera como cantante popular de entretenimiento, de las que se ve en shows de casinos, grandes hoteles y cruceros, comenzó su carrera como mezzo y después derivó a soprano.
En 1965 ganó un concurso de canto lo que le permitió ingresar en el London opera centre donde empezó a forjar su carrera, descubierta por sir Colin Davis en 1969 la convocó para unas bodas de figaro ese año, fue premonitorio ya que en 1971 debuta con exito arrollador en covent garden como la condesa de almaviva, papel del que sería, a mi juicio, una de sus mejores interpretes en el siglo XX.
Ya en 1974 debuta en el met de nueva york, reemplazando a la stratas en un otello verdiano junto a vickers, junto a los papeles mozartianos debemos consignar que hizo impronta en roles de R. Strauss como por ejemplo, la mariscala.
Paseó su voz por los más importantes teatros liricos del mundo, hizo de la belleza, la elegancia, el estilo y la delicadeza una marca de fabrica, un canto impregnado de profundo lirismo y de colores impresionistas, lo suyo no fueron los roles dramáticos, mas bien lo fueron los que exigen contenida emoción y una linea de canto un poco dolorida y melancólica, por eso sus magistrales cuatro ultimas canciones dirigida por Solti, sus condesas, fiordiligi y pamina mozartiana y su insoslayable mariscala straussiana.
Una carrera cubierta de premios, del que sin duda sobresale el de dama del imperio británico, nos quedan sus grabaciones y registros visuales para deleitarnos muchas veces mas con su arte impregnado de calidad, belleza y lirismo.

José Luis A.

Turandot

Puccini partió su composición a principios de 1921, con solo el libreto del primer acto en sus manos, el texto recién se terminó a mitad de 1922, finalizando la partitura en febrero de 1924.
Paralelamente el compositor debía tratarse un cancer a la garganta, que le producía fuertes dolores y del que fallecería el 29 de noviembre de ese mismo año en la ciudad de Bruselas a causa de un paro cardiaco, dejaba a su muerte casi todo el tercer acto completado, dando a conocer al director Arturo Toscanini, algunos fragmentos, ya que el sería el conductor del estreno mundial, previsto para la primavera de 1925.
Finalmente todo se aplazó en busca de un compositor que completara la obra, de acuerdo a los parámetros esbozados por Puccini, Riccardo Zandonai fue rechazado por el hijo de Puccini, siendo seleccionado Franco Alfano, quien cumplió su misión con bastante dignidad, finalmente Turandot se estrenó en la Scala de Milán en 1926.

José Luis A.

La italiana en Argel

Gioacchino Rossini ( 1792-1868 ) nació en el seno de una familia dedicada a la música, de padre músico y madre cantante lírica aficionada, tuvo acceso desde temprana formación a las partituras de mozart y haydn, lo que imprimió cierto ritmo vivaz y variado a su música, maestro indiscutible de la opera bufa y la farsa, aun en sus títulos serios como tancredi de 1813, aplicó sus parámetros dando a sus personajes arias y cabalettas en lugar de las tradicionales arias da capo.
Ese mismo año lo culmina con una dinámica, y al decir de la critica, hilarante La italiana en Argel, siendo el compositor de mayor prestigio en Italia por aquel entonces. Luego ira evolucionando hacia un cierto tipo de dramas de moderada resonancia romántica basados en el mundo anglosajón y céltico.
Compositor obligado a la hora de adentrarse en el bel canto y la opera bufa, generalmente se habla de la italiana en Argel como un titulo moldeado sobre el rapto en el serrallo mozartiano, lo que no le ha restado éxito ni méritos dentro de su estilo.
A pesar de ser un argumento saturado de acción escénica, de bastante falta de realismo en muchas situaciones y de un humor, a estas alturas naif y ñoño, no le resta méritos a la hora de ponderarla dentro de la historia del género, y aunque no alcanza la polularidad de un barbero de sevilla o una cenicienta, goza de bastante afecto entre muchos operaticos y melómanos en general.

José Luis A.

Los Pescadores de Perlas

George Bizet ( 1838-1875 ) es quizás el compositor de opera francés mas conocido a nivel masivo por su titulo " Carmen ", lo que de alguna forma es injusto ya que ha relegado a un segundo plano composiciones de gran calidad y belleza como son " La bella hija de Perth" y " Los pescadores de perlas".
La carrera de Bizet fue muy acelerada, destacando rápidamente y ganando premios tempranamente, esto debido en parte a que su padre era profesor de canto y compositor aficionado, lo que sin duda influyó en su formación. Su estilo se puede definir como bastante ecléctico, ya que va desde lo más clásico hasta los diferentes géneros de la llamada opera francesa, sin afianzarse en uno solo que fuera su guia en lo lirico-compositivo. Se perciben en su música influencias de Wagner y Berlioz, y esta considerado un brillante orquestador con gran instinto para dibujar arias de gran belleza vocal y perfecta estructura en lo armónico.
" Los pescadores de perlas" se estrenó en 1863 con críticas que la acusaban de excesivas concesiones al Wagnerianismo y Verdianismo. Berlioz fue de los pocos que la defendieron y alabaron, toda su partitura esta llena de hermosas melodías muy evocativas de lo exótico de sus paisajes y situaciones.

José Luis A.

Lady Macbeth von mtsensk

Dimitri Shostakovic ( 1906-1975 ) tuvo un gran escollo en su vida y carrera, un escollo con nombre y apellido : Josef Stalin. El dictador se retiró antes del final de una función de lady macbeth... y cuenta la leyenda que de su puño y letra escribió una critica demoledora en el periódico pravda, sin duda que se vio reflejado en el personaje del suegro de la protagonista, que muere a manos de esta por déspota, cruel y abusador.
De ahí en adelante la carrera de Shostakovic se tornó de muy bajo perfil en su natal Rusia ( en aquel entonces, Unión de Repúblicas Socialistas Sovieticas ) y al decir de algunos críticos, amarga y sombría. En sus memorias denuncia a un régimen represivo y censurador del que fue víctima como todo artista no siempre obsecuente con la linea del soviet supremo.
Nos dejó tres óperas, si contamos como tercera la revisión de su lady macbeth rebautizada como katerina izmailova, a la que habría que sumar La nariz, basada en el texto de Gogol.
Katerina o lady macbeth es una joven mujer sepultada en vida en la propiedad rural de su esposo, un gris y pusilánime comerciante de granos, y su suegro, un ser déspota y cruel que la somete a un diario abuso de poder.
Mujer apasionada que se ve impulsada al homicidio para liberarse del abuso y que la partitura dibuja con notas de gran dulzura en contraste a la música casi disonante que refleja a los personajes masculinos, no hay que indagar mucho para ver su clave política, quizás por eso Stalin no necesitó ver hasta el final para decidir el destino de esta ópera fundamental del siglo XX.
Estreno absoluto en Chile, sin duda junto a Tristán e Isolda, los títulos mas fuertes de la temporada.

Jose Luis A.

Tristán e Isolda

Richard Wagner ( 1813-1883 ) acusa su primer impacto musical a los 17 años al asistir a una función del Fidelio Beethoveniano, otra marcada influencia en sus comienzos fue Meyerbeer y el estilo de la grand-opera francesa, aunque esta senda fue abandonada repidamente para concentrarse en el pasado histórico-legendario noreuropeo, vale decir en la mitología germano-escandinava.

Ya con El Buque Fantasma aborda una leyenda y desarrolla además una de sus más importantes improntas musicales: el leitmotiv. Según este procedimento compositivo, el tema o motivo que escucha el espectador, queda ligado a un personaje, sentimiento u objeto de modo que cuando el texto evoca alguno de estos elementos, es la música la que nos lo propone y así lo damos por sobreentendido. En caso alguno se torna monótono ya que se dispone de la orquesta en pleno para reproducirlo de mil formas e intensidades diferentes, introduciendo variaciones en su aspecto y forma.

Wagner utilizó y amplió al máximo la orquesta sinfónica, aumentó el número de instrumentos e incrementó la sonoridad de algunos ( las llamadas tubas wagnerianas ), compositor fundamental y capital en la historia de la música no solo del siglo XIX sino referente obligado en la del XX también.

El aporte fundamental de Tristán e Isolda esta en el uso extremo del cromatismo musical, cuya frecuencia "desorienta" el oído del espectador respecto de la tonalidad en la que se desarrolla la partitura, perdiéndose en cierto modo el centro tonal de lo que se esta escuchando.

Se puede afirmar por esto que luego de Tristán e Isolda, el sistema tonal tradicional queda virtualmente "superado" y abre de algún modo la búsqueda de nuevos sistemas y soluciones musicales que se van a desarrollar durante todo el siglo XX.

La Traviata

A G. Verdi (1813-1901) suele llamarsele "el buque insignia" de los compositores italianos por su radical importancia en la evolución del lenguaje operístico del siglo XIX y porque gran parte de su producción es un referente obligado en la historia de la lírica, dada la extensión de su carrera es difícil encasillarlo en un estilo determinado, ya que desde su primer título Oberto hasta el Falstaff, evoluciona desde una clara influencia Rossiniana y Donizettiana hasta un discurso musical de corte Wagneriano, sin abandonar eso si básicamente la clara estructura de la ópera italiana, algo que distingue esta "evolución" es la complejidad y riqueza sicológica que van ganando sus personajes y que con el tiempo lo convierten en un verdadero "vertebrador" de la lírica Italiana decimonónica.

Asi vemos como transita desde las postrimerías del bel canto hasta una marcada escuela verista. Sin duda un autor referencial e ineludible hasta hoy.

La traviata (1853) esta basada en la novela La Dama de las Camelias de Alejandro Dumas, hijo. Verdi quería ofrecer un drama contemporáneo y diferente a lo visto usualmente, cabe consignar que el publico del estreno reaccionó de mala forma, escandalizado por esta "mostración" sin tapujos de la cruda realidad de una prostituta en el París de la época, finalmente La traviata se impuso por su intrínseco dramatismo y calidad musical, que va subrayando de manera magistral los estados de ánimo de los personajes, que en si, y alejados de una construcción "ideal", evidencian todo el patetismo y las grandezas y miserias humanas como reflejadas en un espejo que devuelve la nítida imagen de una parte de la sociedad burguesa de mitad del siglo XIX.

Probablemente la más conocida y divulgada de las óperas de Verdi, conforma junto a El Trovador y Rigoletto la llamada "trilogía popular".

José Luis A.

temporada 2009

Se avecina el comienzo de la temporada de ópera 2009 del teatro municipal de Santiago, momento propicio para revisar los títulos que la componen, una buena forma como es ya tradicional en este blog, es reseñar brevemente cada ópera en cuento a autor, estilo, argumento e importancia dentro de la historia de la lírica.

Los títulos programados para este año son : La traviata ( G. Verdi ), Tristán e Isolda ( R. Wagner ), Lady Macbeth de Mzensk ( D. Shostakovich ), Los pescadores de perlas ( G. Bizet ), La Italiana en Argel ( G. Rossini ) y Turandot ( G. Puccini ).

Originalmente se había programado Tannhäusser ( R. Wagner ) como segundo título, finalmente por razones no especificadas se aplazó para el 2012, en su lugar veremos Tristán e Isolda con el mismo elenco que iba a cantar Tannhäusser.

José Luis A.

Aria

Aria es el titulo de un muy particular trabajo de cine, bajo la producción de Don Boyd el año 1987 un grupo de destacados cineastas llevó a la pantalla diversas arias de opera, conocidas y menos conocidas, de acuerdo a su particular estilo cada uno de ellos, en rigor, no es que "recreen" de forma tradicional cada pieza operística sino mas bien, y es aquí donde radica el interés del trabajo, tomaron como "fuente de inspiración" la música y letra del aria y la plasmaron en imagenes que fueron surgiendo más de lo que esta les evocaba que de lo que en sí cada aria dice textualmente, vale decir, no estamos en presencia de un registro filmico operatico sino de las imagenes que en un grupo de directores sugirió cada música.



No podríamos hacer una evaluacion del trabajo total, ya que cada cineasta responde a su propia estética con el aria que le correspondió, de forma que no se puede hablar de un trabajo con unidad estilística, sino mas bien de un "conjunto" independiente de "cortos" relacionados con música clásica y con muy dispar resultado.

Reseñar aquí todas las arias sería largo y probablemente tedioso, lo mejor para juzgar un filme es verlo, y he agregado dos arias que encontré en youtube, se trata del aria de marietta de la ciudad muerta de korngold, curiosamente es la mas tradicional ya que otras como la Armida a cargo de jean- luc godard o la nessun dorma de russell escapan totalmente a la tradición, la otra es depuis le jour de la opera louise a cargo de derek jarman.

En lo particular de todas las que componen el dvd me quedé, por elección personal, con la citada de jarman, el libestod de tristan e isolda a cargo de franc roddam y de la fuerza del destino de verdi el aria la virgine degli angeli a cargo de Ch. Sturridge

Desde ya los invito a buscar este trabajo, trasciende lo netamente operistico y es un buen ejemplo del poder evocador de la música a través del trabajo de un grupo de importantes cineastas.

José Luis A.

De mal en peor

Ha finalizado otra temporada lírica en el teatro municipal de Santiago, otra más que pasa con más pena que gloria por lo pobre de sus resultados, salvo una excepción: El castillo de Barbazul.
Desde su arranque con La Boheme Pucciniana que apenas se elevó por sobre lo aceptable en lo orquestal y que escenicamente fue de lo más decadente que hemos visto en años, hasta unas olvidables Bodas... Mozartianas en donde al exiguo desempeño musical se sumó una de las puestas escénicas más faltas de imaginación de los últimos tiempos, y yo al menos he perdido la cuenta de los horrores presenciados desde que empecé a frecuentar ese teatro a mediados de los años setenta.
Hemos constatado ya con resignacion como el municipal se ha convertido en una patética sombra de lo que pudo, alguna vez, haber sido, nunca se caracterizó por haber sido un escenario donde se den cita las vanguardias musicales o escénicas, pero lo de hoy es penoso. Esta temporada fue la guinda de la torta de la calamitosa senda que transita, donde sólo puede solazarse un sector de nuestra decadente e ignorante burguesía que colma palcos y platea y que aplaude entusiasta hasta el bodrio más intragable que se le ofrezca.
Se avecina la temporada 2009, y es destacable el hecho de que, por fin, podamos apreciar en vivo Lady Macbeth... de Shostakovich, aunque por lo expuesto anteriormente no cifro grandes espectativas en lo orquestal ni escenico, ojalá me equivoque y, ahora si, una golondrina haga verano.

Jose Luis A.

Las bodas de Figaro

1786, Mozart tiene 36 años y reside en Viena, es un músico reconocido y admirado, acude habitualmente al teatro y lee decenas de libretos que llegan a sus manos en busca de música. Ya conoció a Lorenzo Da Ponte y su innegable talento como libretista, además se sabe conocedor de "las formas de la opera italiana".
3 años antes Antonio Salieri ha nombrado a Da Ponte poeta oficial de la opera italiana, es decir, todos los elementos que han de conjugarse están como quien dice "a la mano". 1784, por fin se levanta la prohibicion que pesaba sobre Las Bodas de Fígaro de Beaumarchais, y se estrena con gran éxito de público, Mozart ve la pieza y se entusiasma con la posibilidad de ponerla en música, aquilata las virtudes del texto: es una obra fresca, ágil y con personajes bien delineados, una comedia de costumbres con la estructura de una pieza de enredos y un sabroso fondo de critica social. Se la propone a Da Ponte y este, mas viejo y conocedor de los avatares de la política y la corte, elimina algunos personajes, suaviza varios pasajes y condensa algunos hechos, así la deja lista para sortear la censura del emperador. Finalmente se estrena en la primavera de 1786.
Un poco de historia: La opera seria del siglo XVIII nos presenta personajes alejados de la dimensión humana corriente, contiene largos recitativos y arias da capo, en este panorama, la opera bufa napolitana introduce a escena tipos mas sencillos y humanos, sin duda heredados de la commedia dell arte, introduce también dúos, tríos, cuartetos, quintetos y largos concertados al final de los actos, todos estos elementos encuentran en Mozart un genial compositor capaz de llevarlos a su máximo desarrollo.
Todo esto, además de una creación de auténticos caracteres dramáticos y un agudo retrato social de la época, Las Bodas de Fígaro esta considerada cumbre del estilo bufo en lo operístico, ya que en su conjunto explota y desarrolla los planteamientos de la escuela napolitana, entregándonos un conjunto de personajes de gran vitalidad teatral dentro de un potente marco de originalidad, encontramos fuerza dramática, una atmósfera de sarcasmo y critica que ha de haber fascinado al compositor, quien probablemente se vio reflejado en Fígaro ya que como el, estaba siempre "a las ordenes" de un señor ( en su caso, mecenas o encargos ).
Han pasado 222 años, nos sigue sorprendiendo su gran dinamismo, ritmo escénico y evolución de los caracteres. La música misma va moldeando un modelo dramático en el que encajan a la perfección personajes y situaciones, dando la impresión al verla ( y solo la he visto una vez en vivo ) de una "perfecta estructura en movimiento".
Cumbre del genero y titulo referencial que podremos disfrutar una vez mas en el escenario del teatro municipal como próximo titulo de la temporada 2008.

José Luis A.

El anillo del nibelungo II

Recordemos que en sus utopías revolucionarias, Wagner consideraba al mundo ( en realidad a la sociedad ) corrompidos por el egoísmo, y propugnaba que la redención sería el amor, estos elementos cruzan de principio a fin la tetralogía, el egoísmo y el ansia de poder ilimitado a través del oro, y el amor como fuerza que se le opone y en última instancia anula, el oro es posible de obtener renunciando al amor, tal renunciamiento viene a ser una suerte de "pecado original", un pecado que altera completamente el "orden divino" o mejor en este caso sería hablar de "universo mítico", Wotan el dios supremo en vez de reestablecer el orden alterado, comete una serie de faltas ( bastante humanas por cierto ) que como consecuencia lo llevan junto a los suyos al ocaso. En este punto es donde creo, toma más fuerza el discurso ético Wagneriano.

A estas alturas, para Wagner el sueño revolucionario que acarició 25 años atrás ha quedado más bien rezagado, el destino ya no era "ciego", pues lleva consigo una luz de esperanza y una justicia inminente, no como la humana, que casi siempre falla, Wagner observa a lo lejos una "aurora cristiana" tras el ocaso pagano, más allá del incendio del walhalla, refulge con más fuerza la visión de otro cielo y otro dios, el supremo. Ya concebido hace largo tiempo, Parsifal sera en palabras de su autor "el epilogo cristiano del anillo".

José Luis A.

El anillo del nibelungo I

El anillo del nibelungo, también conocida como La tetralogía y que comprende: el oro del rhin, la walkiria, sigfrido y el ocaso de los dioses, como toda la obra wagneriana encierra un fuerte componente y espíritu filosófico y simbólico, pero su significancia no debe llevarse al extremo de convertirlas en una suerte de abstracción, ya que creo, desnaturaliza su concepción artística de colosal fondo "humano" como visión total de la existencia.
Si una obra de arte puede reflejar una concepción filosófica, nunca es filosofía propiamente dicha, Nietzsche lo expresó con claridad al definir la tetralogía como "el paralelo estético de un sistema", subrayo el termino paralelo. En cuanto al simbolismo, tampoco ha de darsele alcance excesivo, al punto de que oscurezca la imagen visible y concreta de un personaje para sustituirla por una noción abstracta, este punto es de especial cuidado en las concepciones escénicas de la obra. El símbolo en arte es semejante a un jeroglífico nos dice Schopenhauer. Naturalmente las imágenes han de sugerir nociones simbólicas ( en teatro generalmente es así ) pero la abstracción no ha de ser más que un poderoso y claro fondo sobre el cual se destacan las figuras que dan vida al drama.
Sin duda que la riqueza y complejidad conceptual del anillo han llevado, y lo seguirán haciendo, a elaborar múltiples interpretaciones o doctrinas filosóficas o sociológicas. Bernard Shaw vio un drama socialista en el que se condena el capitalismo, representado por el oro. Otros ha visto una exaltación del paganismo en la figura de Sigfrido y así muchas más.
En verdad la tetralogía es rica en símbolos y significados, y sus múltiples destellos textuales y musicales pueden sobradamente sugerir estos y otros atisbos interpretativos, pero no debemos perder de vista el hecho de que en esencia es una obra de poesía y música...

José Luis A.

Master Class

Para el año 2010 esta contemplado el estreno de la obra teatral Master Class del autor y critico de opera Terrence Mc Nally, dirigida por Thierry Pillon y con la soprano húngara Sylvia Sass en el rol de María Callas. El estreno coincidirá con el 33 aniversario de la muerte de la gran diva griega, acaecido en parís el 16 de septiembre de 1977.
La obra nace a raíz de las últimas master class que diera la Callas en la Juilliard Schooll de Nueva York en 1972, a las que un joven Mc Nally asistió y tomo apuntes, se estrenò a nivel mundial en 1996 y el rol a sido encarnado por grandes actrices de nuestro tiempo: Zoe Cadwell, Faye Dunaway, Fanny Ardant y Norma Aleandro entre otras.
Esta es la primera oportunidad en que una cantante de opera asume el papel y sera una gran ocacion para aquilatar las dotes actorales de esta gran cantante lírica.

Jose Luis A.

El barbero de sevilla ( II )

El barbero de sevilla no siempre ha gozado de la popularidad ni aceptación que tiene hoy, este como otros títulos del estilo belcantista ornamentado ( según definición de algunos musicólogos ) han sido "rescatados" paulatinamente a medida que avanzaba el siglo XX, ya que en algún momento tanto directores como interpretes formados dentro del estilo de las escuelas Verdianas o Veristas o imbuidos de Wagnerismo y su herencia musical, dirigían o interpretaban estas óperas dentro de los parámetros de esas fuentes, lo que a todas luces puede ser un despropósito ya que son partituras y personajes que no "resisten" de buena forma una lectura despojada de la naturaleza original dentro de la que están concebidos.
De este modo, y aduciendo falta de interés del publico, sometían a una especie de "cirugía" estos títulos, eliminando cabalettas, concertados y repeticiones privandolas del esquema formal que es su sustento base. Es un estilo que antepone la belleza formal de la emisión y del fraseo a las convenciones de realismo dramático, para Rossini las pasiones no deben expresarse sino sugerirse a través de "ornamentos" vocales e instrumentales, y siempre dejando margen a la improvisación del cantante para "lucir" alguna dote interpretativa especial, esto lo he notado por ejemplo en el tenor Juan Diego Florez, por citar uno, que en general cumple con el estilo de manera cabal, y a los que no acostumbran oír el estilo belcantista les suena con "demasiada" coloratura.
En general la lectura que hoy se hace de esta música es llamada "histórica" y pone el acento en la interpretación mas exacta que pueda hacerse al estilo y modo de la época, dejando un poco de lado el "estilo" del director y privilegiando del del compositor.
Sobre este ultimo punto se puede debatir mucho, pero ya es materia de otra entrada.
El barbero de sevilla de Rossini, es el próximo titulo de la temporada 2008 del teatro municipal.

José Luis A.

El barbero de Sevilla ( I )

El barbero de sevilla, la opera bufa de G. Rossini, es en rigor la primera parte de la trilogía teatral de Beaumarchais que se completa con las bodas de fígaro y la madre culpable. Aunque antes de Rossini, parte de esta trilogía estaba musicalizada por Mozart y Paisiello, ello no ha sido problema para que el barbero...Rossiniano siempre haya gozado de popularidad y frecuencia en los principales teatros de ópera del mundo, esto debido a la intrínseca calidad de su partitura y a la frescura en el dibujo de sus personajes y situaciones.
Esta agilidad queda de manifiesto ya desde su obertura, considerada hoy, pieza maestra del estilo Rossiniano así como las arias que se van sucediendo durante el desarrollo de la pieza. Según narra la historia, Rossini tardo solo once días en componerla, cosa que se entiende cuando sabemos que para ello, tomó "prestado" de su propia música para otras operas, temas que agregando o no variantes las uso para este titulo.
Nada de esto resta calidad a la partitura ya que aun asi logró una absoluta unidad estilística y rítmica, totalmente lejano a lo que se podría considerar un "pegoteo" musical.
Rossini encargó el libreto a Cesare Sterbini, quien si bien no logra la profundidad ni riqueza sicológica de un Da Ponte para Mozart, entregó un perfil muy preciso y limpio de cada carácter para que Rossini desplegara una música de nivel muy parejo y constante que va "pintando" con mucha presición cada situación y cada carácter, quizás hechamos de menos una lectura mas "política" de las clases sociales y sus "luchas" en escena como ocurre con Da Ponte, sobretodo teniendo en cuenta que entre La bodas mozartianas y el barbero de Rossini ha ocurrido nada menos que la revolución francesa.

José Luis A.

Opera Chilena

Jorge Arriagada es un destacado músico Chileno que reside hace 40 años en Paris, colaborador habitual del cineasta Raúl Ruiz, en entrevista con el mercurio comenta que tiene lista la partitura de la ópera "Las tres coronas del marinero" basada en el filme homónimo de Ruiz que vimos en su estreno nacional la ya lejana década del ochenta en el cine el biógrafo.
Este trabajo se enmarca dentro de los llamados proyectos bicentenarios y en relación al tipo de música compuesta menciona como influencia primera a R. Wagner y su Holandés Errante, esto explicado de alguna forma, dado el argumento del filme ya que cuenta en síntesis el viaje de un marino con connotaciones surrealistas, también acusa en su trabajo influencias de la escuela vienesa por el lado de Schönberg y Berg y de alguna música Barroca y electroacústica.
Otro punto interesante es que, dado su gran amistad con la cantante Natalie Dessay, esta gestionando su posible participacion en la pieza, desde ya sería un lujo contar con ella en la temporada de ópera 2010 del teatro municipal.
El talento, oficio y seriedad de Arriagada me hacen confiar en un muy buen y valioso trabajo, habrá que esperar para ver el resultado en la antes mencionada temporada.

José Luis A.